Les 10 meilleurs albums des années 1970 à New York

La Obra Maestra de 1976 de Martin Scorsese Chauffeur de taxi Il le dit mieux. Dans le thriller effrayant, les rues de Manhattan sont venues à la prévision de cauchemar de la poste dans un millier de mauvaise acidité de la dernière décennie. La solution technologique pour une société qui a promis le progrès promis après la guerre n'était en aucun cas avalé dans l'expansion du béton, la création d'une architecture brutaliste et un manque chronique de déodorant. Sans anneau de vie émis par les raisons du pouvoir ou de la sensibilisation et qui avec des menaces à distance que de faire face au début de la décomposition intérieure, les résidents de la ville diminuent dans la colère des crimes et des punitions.

L'art jeté comme des mauvaises herbes dans les fissures de la société. Comme Richard Hell, le pionnier punk et le citoyen adoptif de la Big Apple ont dit: les choses changent toujours, et New York leur enseigne. J'ai changé plus vite que dans les années 1970 et pas toujours pour le mieux. Entre 1969 et 1974, la ville a perdu 500 000 emplois dans le commerce manufacturier. Par la suite, un million de maisons de Bohrloch, des viols et des vols triplés ont été abandonnés, les drogues ont largement couru et les meurtres ont atteint un maximum de 1690 par an. Cependant, il y a beaucoup d'art du chaos et du défi: New York était un cocktail créatif des deux.

Comme Fran Lebowitz l'a écrit: Lorsque vous quittez New York, vous êtes surpris à quel point le reste du monde est propre. Le nettoyage ne suffit pas. De nombreux artistes ont apprécié l'excès de femmes et l'ont conduit Un zénith culturel étrange . Punk est venu et la culture pop a posé une fois pour toutes l'approche bourgeoise de l'art, et les champs de semis pour le hip hop prospéreraient bientôt. En résumé, à New York au milieu de la meilleure décennie pour la musique, il y avait un crayon d'art. Les résultats y sont toujours appréciés.

Comment Edmund White a écrit Stadtjunge : J'ai eu la chance de vivre à New York quand c'était dangereux, nerveux et bon marché pour être le modérateur des jeunes artistes sans argent. C'était l'époque des cafés car ils étaient définis à New York: les restaurants bon marché ouverts toute la journée où ils peuvent manger moins qu'ils ne coûteraient à la maison. C'était l'ère des jeans déchirés et des t-shirts sales, car le genre de personnes qui sont impressionnées par les signes matériels réussis n'étaient pas les personnes qu'ils voulaient rencontrer.

Ensuite, nous avons offert un instantané de la ville de l'époque en collectant les meilleurs albums qu'il a produits au cours de la décennie. De la meilleure explosion de CBGB, qui change le monde jusqu'au début du rap et l'extrême rivière aux pionniers d'avant-gart de l'avant-gartde.

En vérité, tous ces enregistrements de données pourraient être inclus dans la meilleure liste de tous les temps, pour les placer dans une liste de lecture en bas de la pièce. Apprécier.

(Kredit: Far / Alamy / Wiki / Flickr)

Les 10 meilleurs albums des années 1970 à New York:

[1970] Pont sur l'eau avec des problèmes - Simon

La période de floraison de Greenwich Village Horah a été proposée dans le style hymne des légendes qui a contribué à la création de la scène dans les années 1960 et à nouveau la totalité de la culture alternative moderne. Et cela ne devrait jamais arriver, ce qui signifiait que la musique a maintenu son humilité ...

Il verra Bob Dylan a dit une fois: Pour moi, les gens ne sont que de nombreuses grandes personnes. Et lorsque le cinéaste Ethan Coen a fait référence à cette nomination, il a plaisanté: ce type de rejet de la merde qu'ils aiment vraiment est intéressant, réel et humain. Vous voyez que le truc, c'est que la musique folklorique n'a jamais été énorme, Bob Dylan n'a jamais voulu changer le monde, Joni Mitchell n'aurait jamais pu faire plus d'une pièce pleine de personnes ivres dans le cri de vichy ...

Cependant, la scène a explosé dans les coutures et quand elle est finalement devenue des formes modernes et les haricots des paroles du rythme réverbérantes, elle a finalement remplacé l'étagère, et c'était un grand adieu que Yankee Yankee était une belle apothéose d'une zénite musicale entière que nous sommes toujours testés positivement (peut-être ne jamais se remettre).

Si cela semble parfois génial avec la chanson principale de cet album, qu'est-ce que vous pouvez être génial si ce n'est pas le cas? Et à partir de là, les dites délicates se développent si parfaitement que c'est comme si l'éther ne les incubait que pour les éons afin que le duo devienne doucement autour des traces de velours. Au revoir Greenwich, ils nous ont bien servi, mais il était temps pour les gens de quitter leur maison souterraine et de secouer les rayons des salles de concert sans tension.

jaafar jackson frères et sœurs

(Kredit: Columbia Records)

[1970] Chargé - El Velvet Underground

Il pourrait être caché dans une opinion personnelle injustifiée ici, mais malgré les centimètres culturels, le métro et son sommet ont atteint son apogée avec le chef-d'œuvre des années 1970. Chargé . L'album est chargé de crochets plus dangereux qu'un récipient de pêche chinois et est livré avec moins de gras et rempli de la plupart des réservoirs de restauration rapide qui semblent le faire. En résumé, chaque chanson est une sorte de travail, mais plus que cela: la force motrice du groupe capture son meilleur côté.

L'Effervescadora de l'enregistrement va au-delà de tout ce qui peut être clairement identifié et imprimé. La profondeur de l'album n'est pas dans les lettres de rythmes magistraux, de chansons inébranlables ou d'une innovation en avant-gart profonde; Il est suivi dans les zones sonnales nuageuses des sentiments et de l'atmosphère. La prochaine chose que vous pouvez venir est de dire que cela ressemble à un groupe qui prend les spiritualistes dans un sens spirituel étrange en tant qu'alchimistes proto-indie: New York en a une histoire. Des taches d'allocation tournent avec une vitalité intemporelle comme un virage au citron dans une seringue à ordures. Ou plutôt, comme son nom lui-même, la saleté du U -Bahn transmet dans un espace créatif céleste.

De plus, cette histoire a presque commencé avec underground. En 1965, la cinéaste Barbara Rubin a attiré son amie Andy Warhol dans l'intestin d'une plongée à New York pour diriger un concert. Warhol a été immédiatement fasciné par les iconoclertes rythmiques, qui rendent les médicaments ouverts aux drogues dures et au sadomasochisme. Tous les rapports semblaient également ressentir une relation avec le manque indifférent de merde de la merde au centre. Heureusement, la journée pour les écrivains de musique qui produisent des clichés n'a pas encore atteint où il ne peut pas être mentionné avant leur temps (je suppose que certaines choses sont des clichés avec de bonnes raisons).

(Kredit: Cotilion)

[1971] Morceaux masculins -Gil Scott-Heron

Chaque record que RAP a inventé une décennie complète avant que le fait ne soit félicité seule pour son avant-gart -gart -vormarsch. La beauté de Morceaux masculins Il est vrai qu'il couvre les limites du genre, du style et de l'intention de la semaine prochaine sans briser son rythme d'été parfait. C'est le son d'un avenir que nous n'avons pas encore réalisé et que nous sommes aussi relaxants et affirmatifs qu'une tasse de thé.

En tant que leader de la honte, Charlie Steen, il a dit que lorsque nous lui avons récemment parlé: les mots, le rythme et le problème des sujets que Scott-Heron aborde et les maîtres s'attaquent, en font une force imparable, un poète indécent et un génie ... son inspiration et son influence peuvent être vues en droit et en artistes, et son travail sera utilisé pour toujours. Son travail vivra toujours pour toujours. Le courage, qui est associé à l'honnêteté et à la vérité, ne devrait jamais être négligé ou pas très apprécié, sa rareté la rend si spéciale et importante.

devion cromwell

Au-delà de cette luminosité audacieuse, qui a capturé les coins brisés des rues de Manhattan et les a illuminés en prose parfaite, contient leur travail un peu mort. En tant que vieil ami de l'Université Hopkins de John, le Dr Ron, lorsque David a accroché un rocher et Goliath a frappé au milieu de la tête, la Bible l'a décrit et est allé. Et puis [David] s'est approché d'une épée qui était plus grande que lui et s'est coupé la tête. Lorsque vous voyez que quelqu'un fait cela, presque tout ce qui se passe plus tard, [vous applaudissez]. [Gil Scott-Heron] était David pour moi!

Et au-delà, c'était quelque chose que les critiques ne donnent jamais suffisamment de reconnaissance: c'était indescriptible Appelé . Ce n'est pas un isolant ou un adolescent, la fraîcheur nécessite un œil pour la culture développée et un sentiment infaillible d'individualisme sincère. Scott-Heron l'avait sur des épées et s'élève pendant son humble son arrogant.

(Crédit: Fly Dutch)

[1973] Poupées de New York - Poupées de New York

Quand Simon

Les poupées de New York ont ​​une descente directe pour la première véritable épidémie punk. Chaque club a besoin d'un club-house, et l'épicentre de Punk était la Big Apple. En particulier, c'était le CBGB. Les poupées ont suivi de la même manière que les mèches et ont revendiqué les principes originaux du rouleau avec plus d'atmosphère et d'attitude que les enfants de colère d'un stade plein de Wembley. Ils ont atteint tous leurs anciens héros dans une sorte d'agitateur de bricolage qui s'est baigné dans la scène artistique inhérente de New York, l'anarchie, et a renversé un câble animé dans des actions qui ont été alimentées par des chambols électriquement.

Johnny Thunder a dit un jour que les poupées étaient une attitude, si rien d'autre, c'était une grande attitude. L'attitude est le roi lors de ses débuts homonymes. Sa négligence musicale et la conviction folle de la jeunesse ont été son premier et seul point. En ce sens, il remet en question l'analyse musicale qu'il n'a aucun sens de parler de désaccords ou de structure de la chanson. Ces mesures semblent évaluer un hamburger pour le contenu nutritionnel. C'était un repas gras de la variété la plus délicieuse.

(Kredit: Mercury Records)

[1975] Chevaux - Patti Smith

Le punk ne peut pas être fixé en une seule personne par définition; Il s'est traîné hors des profondeurs du rocher et le rôle s'est retrouvé après le tour préliminaire des années 1960 et a grogné comme un dîner imprudent pour cette perte d'innocence. Il est arrivé dans des tuyaux de drainage et beaucoup de cuir et avait besoin d'une main enrichissante.

Patti Smith était cette main enrichissante. Et a ajouté une grande intention de l'effort pour les jeunes. C'était comme si ceux qui venaient devant elle avaient inventé la roue, mais ils se sont simplement coulés pour rire. Comme l'a dit Smith: J'étais jeune, mais je sentais que notre voix culturelle était en danger et avait besoin d'une infusion de nouvelles personnes et d'idées. Je n'avais pas le sentiment que je suis moi. Je ne me considérais en aucune façon comme musicien, mais il était poète et interprète, et je sentais que je comprenais où nous étions, ce qu'ils nous avaient donné et où nous devrions aller, et si je pouvais les exprimer, je pourrais être en mesure d'inspirer la prochaine génération. C'était la maternité dont le punk avait besoin, et c'est la propagation du commutateur Patti qui les a catapultés de Skylarking à une voix créative importante.

Selon ses mots, elle parle avec un niveau supérieur auquel elle appartient et est de l'art. C'est aussi celui qui dépasse les limites punk de l'urine, de la broche et des sujets et pour créer le besoin de liberté, pour créer la liberté de réussir, la liberté, le succès, la liberté qu'ils sont.

Punks Patin a toujours traité ce qui se passe plus tard dans une race en développement constant, et avec ce doigt pour le pouls et la passion pour l'auto-expression que Patti Smith Rock and Roll a sauvé. Bref, le punk était à nouveau amusant - Chevaux Il était non seulement au cœur de cela, mais aussi pour le fait qu'il avait un casque de crash pour protéger sa colonne vertébrale cérébrale comme progrès à l'avenir. Quiconque a dit une fois que la poésie était ennuyeuse d'écouter et de pleurer.

(Crédit: Arista)

[1976] Ramones - Ramones

L'attractivité intemporelle des Ramones a été mieux résumé par le poète punk britannique John Cooper Clarke, qui a écrit au Ramones Fanzine. Colle Le prochain morceau de punk punk a proclamé la prose: à la fin de 1975, j'ai lu un article sur les Ramones, un gang de quatre hommes de Queens. Beaucoup de choses ont été réalisées sous sa forme pittoresque associative et la vitesse et la brièveté de leurs chansons. […] J'ai acheté le LP. Les Ramones étaient et sont mon enthousiasme. Ils ont compris qu'il valait mieux avoir des lettres intelligentes sur les problèmes idiots que l'inverse.

Ce style strict de la composition de chansons de la moitié du chien afghan, le scientifique à moitié fou, a traversé Joey Ramone, et l'avantage insouciant coulerait bientôt des États-Unis vers l'Angleterre, où les armes sexuelles ont collecté l'arôme. Selon les rapports, un Français a appelé Steve Jones dans son premier concert effréné: vous ne pouvez pas jouer! Ce que Steve Jones a répondu: Et quoi! Le reste, comme vous le dites, est la vieille histoire et une grande partie a été conçue selon l'image des Ramones.

Cet album n'aurait pu changer qu'environ 5 000 exemplaires la première année, mais c'est souvent la manière de New York. Depuis lors, il est devenu une grande influence et a fait les Ramones dans les légendes. Tout dans votre premier dossier est désormais emblématique. L'image de couverture, qui a été enregistrée par le photographe le plus important de Punk, Roberta Bayley, pour seulement 125 $; Le son indésirable a été enregistré en sept jours avec un petit budget de 6 400 dollars américains. Même la composition de chansons de Fire Quickfire. Tout sur l'album est la quintessence du punk tel que nous le connaissons, et s'est rendu si drôle à propos du rock-prog rock-bourgeoisie afin qu'il ne puisse jamais récupérer.

(Crédit: Records de père)

[1977] Marquesinmond - TV

Alors que le vent de bus, que les poignets de New York avaient commencé rapidement, ont rapidement commencé à élever des arbres et à former une nouvelle folie de punk, et ont travaillé comme journaliste. Une fois qu'il s'est tourné pour voir un groupe appelé Television dans un petit club connu Lentement appelé CBGB .

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En tant que significative des intentions artistiques du groupe, qui fonctionne cette nuit-là, un mur de la télévision serait empilé derrière eux, qui montre différentes canaux, à l'exception d'un bon goût à l'extérieur du centre qui montrait quelque chose de similaire à David Lynch comme le CBGB lui-même. Qu'ils disent cela ou non, cela semblait être l'idéal du rythme original de New York qui visait à capturer la culture originale des gens dans l'aile.

La pièce de Patti Smith est intitulée: Télévision: Sources of Heaven. Et l'une des déclarations de Proto Power est lue dans la pièce: l'énergie sexuelle confuse rend les jeunes si désirables; habiller sa manière négligente; faire son chemin étrange; Plein de tant de désir. Juste des adolescents sans relâche. Cet esprit jeune, qui exposait fièrement à la télévision, était presque la force punk prometteuse.

Cette énergie a pris trois ans pour mûrir un chef-d'œuvre. Chaque élément merveilleux du mouvement est tordu sur l'écran de Marque mensuelle Un point tel qu'une pompe de dix tonnes tombe dans le gant-rotating en vinyle et ne frappe jamais le sol. Il y a des critiques qui manquent le point de la scène CBGB et croient que les groupes l'ont fait Un mouvement Pas de musique. Marquesinmond Torres sur les commentaires aussi vides qu'un bâtiment de créativité sans restriction.

Je me souviens quand j'ai entendu pour la première fois que c'est une rare prière en musique, mais les notes de la chanson du titre sont un bruit céleste qui n'est probablement pas oublié. L'onde sonore le long du disque a des amorphes, appuyez et appuyez sur la meilleure façon possible, par exemple

(Crédit: Electra Records)

[1977] Élégant - chic

Le disque et le punk sont simplement des pages différentes de la même devise et si Marquesinmond C'était un acte de raffinement, puis l'homonyme de 1977 a servi à Chic un plat parfaitement assaisonné sans avoir à couper la graisse. Avec seulement sept indications, il a défini le nouveau son du week-end moderne de la ville.

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Rétrospectivement, il est presque inquiétant qu'il y ait eu tellement d'innovations musicales au même endroit en quelques années. Pour cet enregistrement, Rodgers a utilisé ce qu'il avait entendu comme une poupée invisible cachée derrière un rideau du futur. Comme il l'a dit une fois: il semble que mon travail soit de soutenir les gens. Soutien aux grands artistes. Quand j'ai travaillé avec une symphonie, j'étais assis dans la troisième chaise, pas sur la première chaise. Dans un objectif de sens, l'enregistrement soutient même les gens à la portée du week-end vital au milieu des moments très difficiles.

Comme pour tout le travail de Nil Rodgers, il y a autant de musique à disséquer, mais dès que vous essayez d'approfondir la direction rotative du son, que vous avec une comédie ludique de Ywsah, Yowsah, Ywsah bat, et vous pensez soudainement pourquoi vous voulez laisser la place avec quelque chose comme ça. C'est le même sentiment unique du plaisir naturel, qui filtre dans l'album et mène à la musique avec des propriétés presque médicales.

(Crédit: Atlantique)

[1978] Parallèle - Blondie

La scène punk qui a explosé à New York était la boîte à musique de Pandora. Dès qu'il s'est ouvert, il n'est jamais intervenu et quand il a explosé avec brio, il a immédiatement atteint un grand nombre d'instructions musicales magiques. Blondie l'a mélangé avec POP avec l'équilibre, puis a aidé à créer un peigne des nouvelles bandes d'onde.

Punk avait produit des chansons incroyables pour l'époque Parallèle Il a été libéré et en fait il avait Blondie, mais maintenant le genre avait des célibataires reconnaissables comme un témoignage de son développement. Les indices comme le cœur du verre et une manière ou une autre ont tiré de l'éclat et pendu dans leurs oreilles, comme:

Au lieu de séparer sa cuisine avant-gardiste, il a juste fait la fête un peu plus. New York a changé lorsque l'œuvre de l'art de Jean-Michel Basquiat a découvert un moyen de donner une couleur en béton cassée. La couverture de Parallèle Cela pourrait être monochrome, mais a apporté le flash vivant de appeler la luminosité à la surface. Et le garçon avait l'air bien!

(Kredit: Chrysalis Records)

[1979] Peur de la musique - Heads Parlante

De temps en temps, la musique a besoin de quelqu'un pour les emmener sur les volets et les attaquer comme un flipper dans le jeu pendant un tremblement de terre. Même dans le punk de promethean -trudstrom, les formes des écoles d'art des chefs parlans ont atterri en quelque sorte comme une touche d'eau froide pour tout le monde avec le visage qui a doigté le pouls.

Cependant, les conférenciers n'ont pas tiré sur l'industrie comme un tuyau de puissance. David Byrne et le groupe ont ouvert plus pour l'industrie musicale, se sont présentés comme une présence intergalactique, accompagné de la main sur la piste de danse et lui ont montré comment faire une disquette. Comme la bassiste Tina Weymouth l'a dit un jour lorsqu'elle a fondé le porte-parole, nous avons pensé à la musique de danse humaine.

Cet élément intergalactique préside La Maestra la Maestra Peur de la musique . Byrne semblait voir le monde comme le Seigneur de l'école d'art. Ils étaient un groupe paroissial de hors-la-loi créatifs et dans leur histoire d'attaques graves de gravement blessures à la banalité, ils n'ont jamais perdu leur avantage en tant qu'homme pensant. Song Life pendant la guerre de son chef-d'œuvre de 1979 Peur de la musique C'est un témoignage.

Il n'y a pas de groupe dans le monde qui peut être l'idéologie terroriste des lieux Laissé de Berlin-Ouest de Berlin Le groupe Bolnectivist Baader-Meinhof change l'évaluation politique en une discothèque et ne perd pas la frontière viscérale de l'un des éléments. Loin d'être une satire imprudente qui manque la nature sérieuse du groupe destructeur dans une chanson insouciante, le groupe aborde attentivement le sujet et abrite les observations intelligentes de Byrne dans un appartement jazz légitime. Cela se poursuit dans l'un des meilleurs albums.

(Crédit: Records de père)