Par Jean-Luc Godard a Akira Kurosawa: les 25 meilleurs films étrangers de tous les temps

Dès que la barrière des sous-titres d'un sous-titre de centimètre est présentée avec de nombreux autres films incroyables. -Bong Joon-ho

Une liste comme celle-ci est une tâche facile pour personne, car l'héritage du cinéma mondial est infiniment riche et différentes personnes sont concernées de différentes manières. Cependant, il vaut vraiment la peine d'écrire certains des films étrangers les plus influents de tous les temps, des films qui nous ont fascinés par leur charme inconnu et qui nous ont fait pleurer avec leur beauté destructrice.

Pour éviter le monopole d'un certain réalisateur (oui, Akira Kurosawa, Andrei Tarkovsky et Ingmar Bergman. Vous verrez que le chef-d'œuvre est beaucoup jeté parce que chacune de ces 25 entrées mérite notre attention individuelle, de sorte que sa force irrésistible est.

Afin de rendre notre travail encore plus difficile, la collection contient un autre cinéaste pour chaque choix. Voici une liste des 25 meilleurs films étrangers de tous les temps:

Top 25 des films étrangers de tous les temps:

25. Le charme discret de la bourgeoisie (Luis Buñuel - 1972)

Célèbre pour ce que le meilleur court métrage de tous les temps, Un chien andalous (1929) Luis Buñuel a effectué un examen magistral et surréaliste des pratiques normatives de la société en 1972. Le charme discret de la bourgeoisie . Le film se déroule à merveille entre la satire sociale drôle et l'horreur symbolique du cauchemar. Suivez un groupe d'amis bourgeois qui essaient de prendre un dîner luxueux mais sont constamment interrompus par des événements étranges.

Buñuel expose l'hypocrisie du luxe décadent et des idéaux paresseux d'une manière vraiment surréaliste. Le film a reçu l'Oscar du meilleur film étranger en 1972 et reste l'un des meilleurs chefs-d'œuvre surréaliste et étranges de l'histoire du cinéma.

24. Le cheval de Turin (Béla Tarr - 2011)

De quoi parlons-nous lorsque nous parlons de la langue? Nous référons-nous aux mots, aux gestes? Dans Le cheval de Turin La cinéaste hongroise Béla Tarr élimine tous ces signaux dans la cascade et crée une langue désespérée qui est largement calme et pourtant profonde. L'action se concentre sur un fermier et sa fille qui vivent au milieu de nulle part.

Tarr nous offre une vision implacable d'un paysage abandonné dans lequel la vie elle-même se dissout dans rien. Le cheval de Turin C'est une réinterface minimaliste de l'enfer sur Terre et infiniment belle dans son pessimisme.

23. Plus (Jean Vigo - 1934)

La charmante romance de Jean Vigo présente une jeune femme naïve qui échappe au bateau de son mari (un capitaine de la barcaza) pour explorer Paris seul. Il est triste et drôle, mais surtout Vigo se concentre sur les gens. Le film de 1934 examine ce que signifie aimer dans le manque vertigineux de familiarité dans le monde moderne.

christian vadim frères et sœurs

C'est certainement à dire Plus Il a influencé plusieurs générations de cinéastes, mais très peu pourraient recréer ce miracle innocent. La vision de Vigo est drôle et merveilleusement originale.

22. M (Fritz Lang - 1931)

Le Master of the Darkness of the British Film Institute, The Master of Darkness, M Il est le célèbre cinéaste allemand Fritz Lang, le drame inquiétant du crime d'arthouse. Dans le film de 1931, Lang construit un labyrinthe profondément inquiétant de la moralité corrompue, dans laquelle le binaire de la loi et de l'injustice signifie très peu. Fritz Lang, très influencé par l'expressionnisme allemand, utilise une culture de lumières et d'ombres pour créer une atmosphère cinématographique.

Bien que près de 90 ans se soient écoulés depuis la publication du film, M C'est toujours un mélodrame convaincant qui ne s'arrête jamais à apparaître comme quelque chose de moins frappant. C'est le film qui a suspendu le public américain aux œuvres du professeur d'allemand et a consolidé son statut de l'un des meilleurs cinéastes.

21. Voleurs de vélos (Vittorio de Sica - 1948)

Peut-être le meilleur drame néo-américain italien, Voleurs de vélos C'est un portrait puissant et sentimental de l'Italie post-WW-II. Dans la dépression économique, une famille essaie de rester optimiste même lorsque la pauvreté et le chômage. L'héritage du plus grand travail de Vittorio de Sica est monumental et son influence peut être vue dans d'innombrables films.

Il était répandu et célébré par les critiques et a remporté l'Oscar pour le film étranger le plus remarquable sept ans avant cette catégorie. Voleurs de vélos C'est un film qui ne peut jamais être exclu d'une discussion sur les meilleurs films de tous les temps.

20. élevage (Jacques Tati - 1967)

Dans élevage Jacques Tati crée un Paris original subversif et violent, plein de rayures métalliques et de surfaces réfléchissantes. La comédie de Tatis de 1967 est une recherche de mauvaise humeur sur la déception de l'homme moderne qui est pris dans une jungle urbaine. Tati complexe mais ludique parvient magistralement à rendre un cauchemar moderniste drôle.

Un design sonore léger fonctionne de manière synchrone avec les images impressionnantes de ce chef-d'œuvre cinématographique. La vision esthétique unique de Tatis devrait être un avertissement, mais nous n'avons jamais réussi à passer la partie esthétique.

19. Aguirre, la colère de Dieu (Werner Herzog - 1972)

Films dans la jungle amazonienne avec un très petit budget, El Epic Drama historique par Werner Herzog C'est l'une des œuvres déterminantes du nouveau cinéma allemand. Sur la base du mythe d'El Dorado, Herzog commence un fort examen de la cupidité et du désir. Le film élimine la complexité de l'équilibre du pouvoir et ne laisse que les peurs ennuyeuses de ce que signifie être humain.

Klaus Kinski présente la performance de sa vie d'aguirre, le Faustian Ero -boader, qui est fou de la chaleur torride de l'ambition. Le patrimoine du film est le cas qu'il apparaît toujours dans les listes dans lesquelles des œuvres de film importantes sont présentées. Le film a été classé

18. Pather Panchali (Satyajit Ray - 1955)

Sans aucun doute, le meilleur cinéaste indien, ce fut le premier long métrage de Satyajit Ray. C'est une histoire émotionnelle écrasante de la famille de la famille du Bengale en Bengali après la division. Bien qu'il ait apparemment été inspiré par le néoréalisme italien, la voix de Ray est absolument la sienne. Le premier de son célèbre Trilogía -Apu est riche en belles images et une note cinématographique dévastatrice.

Ray compare l'innocence de l'enfance avec un paysage dont la mémoire culturelle est la violence. Pather Panchali C'est une partie inoubliable et indispensable de l'histoire du cinéma.

17. Les 400 coups (François Truffaut - 1959)

Ce film a marqué l'émergence du personnage cinématographique légendaire de Truffaut, Antoine Doinel. Les 400 coups Il était responsable de la nouvelle vague française en fleurs, une belle recherche sur une enfance qui a été influencée par des modèles et des crimes défectueux. C'est l'histoire d'un enfant indésirable qui glisse à travers les mailles du système, mais adhère toujours à l'espoir.

Le chef-d'œuvre surprenant de Truffaut continuera d'être pertinent pour l'éternité, car le concept de jeunes mal compris jusqu'aux générations est omniprésent. Les 400 coups C'est une recherche inébranlable de la liberté qui est pour le public depuis des années et qui jouit du public depuis des années et le fera depuis de nombreuses années.

16. La grande illusion (Jean Renoir - 1937)

En tant que l'un des plus beaux films contre la guerre de tous les temps, le travail de Renoir en 1937 est un puissant procès qui vise à la mort de l'aristocratie européenne. Appelez habilement des photos inoubliables de la décomposition, La grande illusion Il s'agit d'une exposition tragicomique à l'inutilité d'une grande guerre. La vision humaniste du renouvellement de la Première Guerre mondiale perturbe et se déplace en même temps.

Bien que les célèbres cinéastes tels qu'Orson Welles et David Lean aient cité le film comme l'un de leurs dix meilleurs films de tous les temps, il est intéressant d'observer comment les dirigeants politiques fascistes considéraient le chef-d'œuvre du Renoir comme une menace pour la conscience publique. Le ministre de la Propagande d'Hitler, Joseph Goebbels, a décrit le film comme un ennemi du film public n ° 1.

15. Trois couleurs: bleu (Krzysztof Kieślowski - 1993)

Le meilleur travail du cinéaste polonais parmi les critiques, Trois couleurs: bleu est le meilleur du Trois couleurs Trilogie et suivez l'évaluation existentielle de la vie d'une femme après avoir perdu son mari et son fils dans un accident de voiture. Juliette Binoche est spectaculaire comme le protagoniste et essaie de secouer son traumatisme qui recherche une nouvelle identité, mais ne peut échapper à l'héritage de sa perte.

Cette idée du rejet est constamment partagée par le récit et la structure du film, puisque Kieślowski est remise sur de longues pannes de courant pendant une scène pour inclure la réalité comme si l'inutilité du déni avait été soulignée. La grande thèse de Kieślowski est que la tristesse trouve toujours la sortie, peu importe combien vous essayez de l'exprimer à nouveau.

14. Hiroshima, lun (Alain Resnais - 1959)

Ce chef-d'œuvre de 1959 est l'un des meilleurs exemples de nouveaux historiques, une école de pensée qui rejette une vision unique des événements historiques et veut pénétrer encore plus. La séquence d'ouverture du film est ennuyeuse, une vision complexe des suites des bombardements d'Hiroshima, qui sont recherchées sous la forme d'une discussion d'oreiller que deux amants sont livrés. Alain Resnais vérifie radicalement ce que signifie visiter des événements traumatisants.

Les tragédies mondiales et personnelles sont liées dans un fil narratif compliqué qui gagne la subjectivité à Hiroshima, un endroit où la mémoire de la violence est enregistrée dans chaque pierre. Le film Resnais est un merveilleux acte de se souvenir et d'oublier en même temps.

13. Un `a (Abbas Kiarostami - 1990)

On pourrait dire que le meilleur cinéaste de la nouvelle vague iranienne, Abbas Kiarostami, a magistralement brouillé les distinctions entre la fiction et non la fiction, entre l'imagination et la réalité dans son documentaire postmoderne. Un `a . Kiaorostami examine les rôles performatifs que nous jouons tous avec la précision d'un chirurgien et la touche sensible d'un poète.

Sur la base de vrais événements, Kiarostami met l'accent sur la partie de la création d'une reconstruction qui présente l'histoire tragique d'un cinéaste émergent, Hossein Sabzian. Un `a C'est une psychanalyse cinématographique belle mais ennuyeuse d'un homme simple.

12. Un homme s'est échappé (Robert Bressson - 1956)

Le chef-d'œuvre de Bressson de 1956 est basé sur les mémoires d'André Devigny, un combattant de résistance français qui prévoit son évasion après avoir été capturé par les nazis. Avec une conspiration tristement simple, Robert Bressson parvient à présenter la perte de liberté et de désespoir existentiel d'une manière complètement sentimentale. Un homme s'est échappé C'est une excursion émotionnelle et intellectuelle à la psyché d'un prisonnier.

La cinématographie fascinante de Léonce-Henri Burel et un design sonore sans faille fonctionnent ensemble pour créer une œuvre d'art matérialiste et métaphysique en même temps. Un homme s'est échappé Il présente un argument solide pour expliquer pourquoi il s'agit du meilleur film de panne de prison de tous les temps.

11. Sansho der shérif (Kenji Mizuguchi - 1954)

Au Japon féodal du XIe siècle, il suit la décomposition d'une famille après que le père a été banni par un homme féodal. Dans un événement déchirant, la mère et les deux enfants se sont dirigés vers le père, mais sont kidnappés et vendus, la mère comme prostituée et les enfants comme esclaves. Mizoguchi est implacable dans sa plainte concernant la condition humaine.

Sansho der shérif’s La beauté est incomparable. Kenji Mizoguchi examine l'esprit de l'ère brutale et se concentre sur le pathos d'une tragédie personnelle. La complexité de l'intrigue se débarrasse des images simples et le résultat est l'une des œuvres de film les plus puissantes.

10. Allez (Elem Klimov - 1985)

Le film sombre contre la guerre du cinéaste soviétique Elem Klimov est une présentation impitoyable de la capacité de l'humanité pour le mal à Dariery. Nous vivons les horreurs de la guerre par le jeune protagoniste Alexei Kravchenko dans un paysage soumis à un incident nazi et à un génocide. Allez Il insiste sur le fait que la dignité individuelle, bien que la guerre signifie qu'elle est humaine pour toujours, ne peut pas enlever.

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C'est une histoire convaincante de survivre contre le vent et les inondations, bien qu'une civilisation entière autour de nous devienne le chaos. Viscéral et émouvant, Allez C'est un cauchemar, mais nécessaire de garder un souvenir de rester à l'écart de nos erreurs précédentes.

9. aventure (Michel-Ange Antonioni - 1960)

Un drame mystérieux spectaculaire de l'arthouse, aventure Il a une jeune femme qui disparaît soudainement dans une île volcanique reculée en Méditerranée lors d'un voyage en yacht. Son amant altruiste et son meilleur ami ont décidé de la trouver, mais profitez d'une question illégale. Antonionis Fascining Film Language peint en ENNUI existentiel et la perte d'affaiblissement dans le monde moderne.

Le film reste fidèle aux idéologies artistiques de l'art postmoderne et n'est jamais vraiment résolu et les motivations des personnages ne sont jamais vraiment claires. Antonionis Masterpiece de 1960 est la manifestation de la vision cinématographique unique et concernée d'un génie.

8. 8 ½ (Federico Fellini - 1963)

L'un des meilleurs films de l'histoire du cinéma mondial, Fellinis Cinema compétences Il a le sentiment d'une couleur complexe avec plusieurs couches et une merveilleuse variété d'interprétations. 8 ½ C'est peut-être l'exemple le plus célèbre d'un film sur le film. Fellini construit un grand squelette de ce qu'un film est censé être et le déconstruit en même temps. Le chef-d'œuvre de Fellini de 1963 est un voyage visuellement impressionnant et intellectuellement attrayant.

8 ½ C'est un travail cinématographique pionnier qui a inspiré d'innombrables autres films comme Woody ALL'S Souvenirs (1980) Y Charlie Kaufman SYNECDOCH, New York (2008). Il a remporté deux Oscars pour le meilleur film en langue étrangère et la meilleure conception de costumes (noir et blanc) et a reçu d'autres nominations pour le meilleur réalisateur, le meilleur script original et le meilleur mouvement artistique (en noir et blanc). Le Circle des critiques du film de New York a également été nommé 8 ½ Le meilleur film de la langue étrangère.

7. Le septième sceau (Ingmar Bergman - 1957)

Le point culminant de toutes les batailles philosophiques que Bergman a combattu dans ses films, Le septième sceau C'est son meilleur film qui représente allégoriquement la violence et la lutte de la vie moderne à travers un jeu d'échecs entre un gentleman déçu et la figure de la mort. Bergman dépeint une image implacable d'un paysage sans Dieu avec le seul vrai professeur qui est la mort.

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Questions sur la vie, la mort et tout autre, Le septième sceau C'est l'une des œuvres les plus mémorables de l'histoire du cinéma mondial. Il a renforcé sa place dans la tradition cinématographique parmi les meilleurs films de tous les temps avec ses images dérangeantes et ses excellentes techniques narratives.

6. Dans The Mood For Love (Wong Kar-Wai-2000)

Sans aucun doute, l'un des meilleurs films de Hong Kongs New Wave in the Cinema, Wong Kar-Wai crée un film avec une beauté réservée et majestueuse qui se noie dans la mélancolie romantique. Dans la société moralement conservatrice de Hong Kong de 1962, le film parle de l'intimité émotionnelle que deux voisins partagent après avoir découvert que leurs conjoints ont tort les uns avec les autres, mais ne peuvent pas agir, qui est paralysé par les exigences performatives de la société.

Wong Kar-Wai nous laisse une histoire qui n'a pas de solution et est remarquable en raison de l'absence d'un. Son talent exquis au bureau du cinéma semble être transporté dans chaque scène parce que nous sommes transportés du pittoresque au sublime.

5. Halètement (Jean-Luc Godard-1960)

Jean-Luc Godard est toujours l'un des réalisateurs les plus polarisants de tous les temps. Ils aiment son travail ou le détestent. Il n'y a pas de produits intermédiaires. Cependant, vous ne pouvez pas ignorer l'influence de votre premier long métrage. Halètement . Le mépris et le mépris de Godard pour les conventions de cinéma classiques ont été annoncés dans son chef-d'œuvre à partir de 1960 et le chemin pour la voie pour le Nouvelle vague française .

Auto-réflexif et s'efforce de déconstruire leur propre mythe, Halètement C'est l'un des films les plus uniques du World Cinema Corpus. Les avantages du film du film peuvent être discutés pendant des heures, mais ce qui ne peut pas être refusé, Godards est une vision artistique violemment originale et l'indifférence irrespectueuse avec laquelle il a converti le film.

4. Yi yi (Edward Yang - 2000)

Yi yi (Signification et un et deux) est le meilleur travail d'Edward Yang, l'un des cinéastes les plus importants de la nouvelle vague taïwanaise. Le film est un drame adorable entre les générations sur la turbulence personnelle d'une famille. Tous les membres de la famille ont leurs propres combats pour se battre et naviguer dans les labyrinthes déroutants de la vie avec eux. Au lieu de figures en carton, Edward Yang mène nos mains et nous attire consciente de la présence de chair et de sang, vulnérable, mais résistante.

La présence la plus unique du film est le personnage d'un enfant, Yang-Yang, qui est profondément préoccupé par le fait que les gens ne peuvent pas voir le dos de leur tête. Ensuite, il clique sur les têtes des têtes des gens pour eux. Dans une dernière scène puissante, il promet sa défunte grand-mère, qui continuera à raconter des histoires que les gens ne connaissent pas et leur montrent des choses qu'ils n'ont pas vues. Yang-yang est le défenseur le plus convaincant de l'avant-garde que le cinéma a produit.

3. Tu es samouraï (Akira Kurosawa - 1954)

L'histoire épique de Kurosawa au Japon du XVIe siècle est un voyage de trois heures dans le monde des samouraïs. C'est un conflit entre le code d'honneur conservateur et rigide des meilleurs guerriers du Japon médiéval et l'illégalité des bandits, moralement gâté et parasite. Les sept samouraïs du film sont la dernière ligne de défense contre la corruption inévitable de l'ordre social.

Kurosawa traduit magistralement les conventions théâtrales de Nooh en un médium postmoderne: le cinéma. L'existence du film lui-même devient un lieu du conflit qui essaie de dépeindre, un espace controversé tendue dans lequel deux idéaux irréconciliables sont accueillis.

2. Histoire de Tokyo (Yasujirō Ozu - 1953)

Le chef-d'œuvre intemporel d'Ozu examine les déceptions et les frustrations du japan post-guerre à travers l'histoire d'un couple plus âgé qui visitera leurs enfants mariés, mais trouvera que leurs enfants n'ont pas beaucoup de temps pour eux. Dans une ville constamment occupée, Ozu présente une histoire de beauté profonde et de duel. Le public reste sans mots pour le pouvoir calme et dévastateur de Histoire de Tokyo .

Le film de 1953 est également célèbre pour le style de caméra indubitable d'Ozu, souvent appelé Tatami Shot. L'absence de mouvement de la caméra ajoute une stabilité très nécessaire en raison de la nature extrêmement volatile et dynamique de la ville dans laquelle il est tourné. Le film n'est apparu au public américain qu'en 1972, selon lequel il était généralement reconnu et à juste titre.

1. Harceleur (Andrei Tarkovsky - 1979)

Harceleur C'est le meilleur film d'Andrei Tarkovsky, l'un des meilleurs cinéastes de l'histoire du cinéma. Seule cette déclaration est suffisante pour gagner une place dans une liste, mais ne rend pas justice au cinéma. Tarkovsky construit une expérience méditative qui est violente dans le sens de la vérité, mais seulement une griffe dans un vide, une incision perspicace, dont la dialectique vide est drainée. Bien qu'il soit structuré comme une expédition en plein air pour atteindre l'hétérotopie qui promet de permettre nos souhaits les plus profonds et les plus sombres, il est Harceleur Faites un voyage simultané vers les niches psychologiques que nous avons cachées.

Tarkovsky a rendu compte de l'impitoyabilité du genre de science-fiction avec une riche atmosphère de maturité philosophique. Harceleur’s Le désir auto-destructeur menace de détruire toutes nos idées préfabriquées, mais se termine par la restriction élégante de la totalité poétique. La caméra Tarkovsky glisse sur la lande radioactive et perce lentement certains des secrets de l'univers.