Agnès Varda - Cleo de 5 bis
À la fin des années 1950, le désir de revitaliser le cinéma et de franchir les limites moyennes de nouveaux a créé un mouvement qui changerait le cinéma pour toujours: la nouvelle vague française. Les réalisateurs masculins tels que Jean-Luc Godard, François Truffaut et Claude Chabrol ont dominé le temps et ont dépeint une vision assez andocentrique dans le monde. Agnès Vard Cleo de 5 à 7.
Le film publié en 1962 est une étape importante du cinéma féministe et l'une des dernières publications de la nouvelle vague française. Suivez un chanteur nommé Cleo (Corrine Marchand) entre cinq et sept heures du soir, alors qu'il attend avec impatience les résultats d'un test pour savoir s'il a un cancer. Le film commence par une séquence de cartes de tarot, l'objectif Varda se concentre sur les cartes avant qu'il ne révèle le visage de Cleo. Lorsque le lecteur de tarot dessine des cartes inquiétantes, l'inventaire du film clair est noir et blanc, ce qui indique des craintes de Cleos en éliminant littéralement la couleur de sa vie.
Alors que Cleo monte les escaliers et prend sa mortalité éphémère, Varda utilise habilement des coups de POV pour souligner son instabilité et se concentrer sur les murs, la rupture et l'expansion de l'extérieur par une fenêtre voisine. Varda répète même plusieurs fois un visage étroit de Cleo pour confondre le spectateur avant de le charger dans un miroir. Les réflexions deviennent une raison importante dès le premier moment, ce qui indique la préoccupation du personnage de la beauté. Elle se dit, épanouie, beau papillon. La laideur est une sorte de mort. Bien que ce soit agréable, je suis plus vivant que les autres.
Au lieu de formuler le narcissisme avec le processus, Varda lui permet de jouer un rôle central dans son personnage, avec un baromètre avec lequel ses progrès peuvent être évalués pendant la nuit. Cela signifie sa dépendance à l'égard de la beauté et de l'apparence externe comme clé de la survie en tant que femme dans un monde patriarcal, et son occupation en tant que chanteuse reflète sa dépendance à l'action dans toutes les facettes de sa vie. L'idée que le genre est fait et défendu par des théoriciens tels que Judith Butler est recherché par l'obsession de Cleo, pour avoir l'air féminin et beau. Par Cleo, Varda commente les demandes imposées aux femmes Inclusion de certaines normes sociales patriarcales qui deviennent épuisantes pour effectuer continuellement. Les hommes regardent souvent Cleo ou en même temps, le crée sous plus d'un angle, ce qui met l'accent sur l'idée que les femmes sont constamment interrogées.
Il est non seulement formulé comme une manière narcissique, mais aussi enfantin et se gâche avec son assistante Angele, qu'elle dessine comme ma petite fille. Après une interprétation dramatique de sans TOI à la maison avec une couche blanche spongieuse opulente, tout change pour Cleo. Une seule larmes roule sur sa joue tandis que la beauté / nue dans le froid de l'hiver / seulement un corps désir / sans vous. Varda s'approche lentement pour faire Cleo encadré par une toile de fond complètement noire et souligne l'importance de ce moment révélateur. De là, il décide de prendre dans la rue et de faire une randonnée à travers Paris, mais sans l'aide d'Angele ou de sa perruque. Au lieu de cela, elle obtient une robe noire intelligente comme si elle pleurait déjà sa mort et ses têtes possibles.
Au cours de l'heure suivante, Varda remplit le film avec une quantité incroyable de symbolisme de tous les coins de l'écran. Sa capacité à utiliser un rayon de taxi supprimé pour ajouter des commentaires sur la guerre algérienne ou un masque africain dans une fenêtre d'une entreprise pour combiner le colonialisme et refléter la préoccupation de Cleos au sujet de la performance et du travail du masque, indique la force des compétences cinématographiques de Varda. Alors que Cleo fait des randonnées sans but, il rencontre un ami et voit un court métrage, fait lentement face à la complexité de la vie quotidienne et trouve la substance au-delà de la beauté et de la performance. Ses peurs, qui entourent le déclin potentiel de sa beauté, diminue lorsqu'il accepte sa mortalité et se reflète dans la dernière image que nous voyons à partir d'un miroir d'un miroir cassé. L'œil de Cleo est encadré dans l'un des fragments, comme elle le dit, un présage de la mort. Cependant, il décide enfin de ne pas récupérer les pièces et de les laisser fragmentés sur le sol.
Alors que Cleo fait un peu plus, il rencontre un soldat sensible, Antoine, et se connecte immédiatement à lui et trouve un autre réconfort. Le couple discute de la mort et de la guerre, et Cleo révèle que son vrai nom est Florence avant qu'Antoine ne l'accompagne à obtenir les résultats de son témoignage. En fin de compte, le médecin entraîne Cleo avec désinvolture et lui dit qu'il devra avoir deux mois de chimiothérapie, mais il devrait aller bien. Ce n'est que de cette manière, les angoisses de Cleo sont confirmées, mais n'ont pas commencé à pleurer ou à agir. Au lieu de cela, elle sourit à Antoine et dit: J'ai le sentiment que ma peur a disparu. J'ai le sentiment que je suis heureux.
Cleo trouve la chance en excluant le fichier de performances rigide qui en est attendu. Varda suggère que la vie serait très libérale pour les femmes si elles n'avaient pas à adhérer aux attentes spécifiées par les hommes. Cela signifie que son bonheur est basé sur l'acceptation du manque de vivant, mais par la joie qui peut être trouvée dans les simplicités de chaque jour, comme visiter un ami ou le battre avec un inconnu et éventuellement trouver l'amour. À la fin du film, Cleo n'est plus la femme narcissique et obsédée que nous connaissons au début: elle est Florence. Le film attire son voyage d'acceptation et de découverte et le libère enfin pour son diagnostic. Cela vous permet d'attirer votre attention sur la superficialité de la vie dans laquelle elle était si dépendante.
Varda donne un sujet sombre avec espoir et optimisme, alors qu'il commente les questions sociales pertinentes du temps, des attentes des femmes à la guerre algérienne en cours et au colonialisme français. Son riche langage visuel et son utilisation comme structure narrative ont inspiré et inspiré les cinéastes depuis des décennies C Hale S 5 à 7 C'est toujours l'un des meilleurs films sur les attentes de la féminité.
