De Francis Ford Coppola à Jean-Luc Godard: 10 films de voyage essentiels

Tout ce dont vous avez besoin pour un film est une arme à feu et une fille . -Jean-Luc Godard

L'art a le pouvoir de transporter les gens dans des zones inexplorées, des mondes fantastiques du travail de science-fiction aux coins inexplorés de notre propre planète. Étant donné que le cinéma est un support visuel, on pourrait affirmer que les films peuvent le faire beaucoup mieux que les autres formes d'art. Les films de voyage offrent au public une opportunité inestimable d'explorer l'univers sans bouger un pouce et d'amener le public à un voyage spirituel au lieu d'un voyage physique.

Au cours de l'un des meilleurs praticiens du genre, Wim Wenders a déclaré: Pour être honnête, je ne savais pas que le genre existait. Je dois avoir vu quelques films, je pense que j'ai vu DEVIATION (1945), mais je ne l'ai pas reconnu comme un genre. Bien sûr, je connaissais de nombreux westerns, quand il y avait un précurseur dans ces films, c'était l'Occident. Mais je ne savais pas que vous pouviez faire des films en voyage.

Ajouter: Je ne savais pas que vous pouvez vraiment entrer dans une voiture, démarrer une histoire et la route de voyage et l'histoire que vous seriez. Pendant que nous l'avons fait Alice dans les villes , Je l'ai découvert. Je me sentais comme un poisson dans l'eau. C'était le genre de cinéma pour lequel je suis né.

Nous avons sélectionné une liste de 10 films de voyage essentiels qui pourraient servir de point d'entrée intéressant pour que le public explore le genre, et des professeurs de cinéma tels que Ingmar Bergman et Jean-Luc Godard. Voir la liste complète ci-dessous.

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Les 10 meilleurs films de voyage de tous les temps:

Dans la rue (Federico Fellini - 1954)

Représentation de Giulietta Masina en tant que jeune femme simple qui est vendue et forcée de prendre le chemin de sa pauvre mère à un homme fort et forcé Dans la rue C'est l'un des films les plus populaires de Federico Fellini. Ce n'est pas seulement un film qui représente son voyage physique à travers différents paysages, mais aussi la tentative de Fellini de parvenir à un accord avec le cinéma. Le film a remporté le premier Oscars pour le meilleur film de langue étrangère en 1957.

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Fellini s'est souvenu qu'au début, je n'avais qu'une sensation confuse, une sorte de son qui se cachait, ce qui m'a fait mélancolique et m'a donné un sentiment de culpabilité diffuse, comme une ombre qui m'a frappé. Ce sentiment a suggéré deux personnes qui restent ensemble, même si elle sera fatale et ne savait pas pourquoi. Mais quand cette sensation de cristallisation s'est cristallisée, l'histoire a été facile comme s'il avait attendu d'être trouvé.

Fraises sauvages (Ingmar Bergman - 1957)

Une brillante étude de personnage par un professeur de médecine plus âgé (Victor Sjöström) dans sa performance finale à l'écran sur sa campagne pour obtenir un titre honorifique. Fraises sauvages C'est une réflexion sur l'existence humaine. Alors que l'enseignant va à son objectif final, son esprit voyage dans différentes directions et est obligé de faire face à ses propres rêves et cauchemars.

Bergman a révélé, j'ai été surpris: supposons qu'il devrait faire un film de quelqu'un qui vient parfaitement réaliste et ouvre soudainement une porte et aborde son enfance? Et puis ouvrez une autre porte et retournez à la réalité? Et puis vous vous promenez dans le coin de la rue et entrez dans une autre période de votre vie, et tout vit et continue toujours comme avant? C'était le vrai point de départ de Fraises sauvages .

Pierrot El Loco (Jean-Luc Godard-1965)

Pierrot El Loco Il est sans aucun doute l'un des premiers chefs-d'œuvre de Godard avec un monde fou dans lequel la fiction et l'imagination continuent de colliter jusqu'à ce que les deux ne puissent pas être distingués. Avec Jean-Paul Belmondo et Anna Karina comme quelques amoureux compliqués, le film les suit dans leurs malheurs en voyageant de Paris à la Méditerranée.

Dit Godard, aventure humaine. Nous sommes en vacances, disent-ils. L'aventure commence dès que nous sommes sur la côte. Ils ne se considèrent pas comme l'aventure lorsque vous achetez vos billets de train, tandis que dans le film, tout est au même niveau: acheter des cartes de train est tout aussi excitante que de nager dans la mer.

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Pilote simple (Dennis Hopper - 1969)

Ce classique de 1969 est l'une des dernières œuvres du genre du film routier de 1969, une odyssée américaine moderne qui est alimentée par la drogue et la confiance dans la culture hippie. Pilote simple Il a eu une influence très influente sur le nouveau mouvement hollywoodien et a conquis l'essence de ce que signifie être dans la rue et fuir les liens de la société.

Dans un Entretien Hopper a commenté le scooter: la nouvelle génération ne sait rien de moi, sauf ce que vous avez vu Pilote simple. La société aime placer des bulles là-bas et la placer et me dérange. Je préfère moi-même. J'ai les photos hollywoodiennes vraiment fatiguées: la grande star masculine, qui est vraiment un homosexuel, les deux chaussures qui baisent toutes dans les pièces sombres lors des fêtes. Je voulais être vulnérable parce que je pensais que c'était autre chose. Mais je ne dors pas avec des caméras, donc ce film n'est pas la vraie trémie de Dennis.

Maçonnerie (Terrence Malick - 1973)

Ce drame néonair criminel de 1973 a été le brillant début en tant que directeur de Terrence Malick. Le film est basé librement sur la vague de meurtre sur la vraie vie de Charles Starkweather et de sa petite amie en 1958 et a présenté la sensibilité esthétique unique de Malick au monde entier. Maçonnerie Les protagonistes de Martin Sheen comme une saleté nuageuse et un vétéran de la guerre de Corée, qui tire sur le père de son amant et les exhorte à faire un voyage remarquable à travers le support ouest vers les terres de Badlands du Montana.

À la fin de ma deuxième année à Los Angeles, j'ai commencé à travailler Maçonnerie Dit Malick. Mes influences étaient des livres comme The Hardy Boys, The Swiss Family Robinson, Tom Sawyer et Huck Finn, qui ont tous touché un innocent dans un drame sur la tête. Je voulais que l'image soit configurée comme un conte de fées, à partir du moment, comme: Île financière .

attaque (Werner Herzog - 1977)

La tragicomedy de Werner Herzog de 1977 raconte l'histoire d'un musicien de Berlin Street, qui quitte l'Allemagne après avoir quitté la prison. Lorsque vous cherchez une vie meilleure, le Wisconsin trouve l'idéal du rêve américain dans le Wisconsin, qui se transforme rapidement en quelque chose complètement.

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Dans un Entretien with Roger Ebert, Herzog revealed: I don’t know how and why; the strange thing is that with both the crabs and the dancing chicken at the end of attaque L'équipage ne pouvait pas le prendre, ils détestaient ça, ils étaient un groupe fidèle et dans le cas de attaque Ils le détestaient tellement qu'il devait utiliser la caméra lui-même parce que le directeur de la photographie, qui était très bon et engagé, le détestait tellement qu'il ne voulait pas le tirer. Il a dit: Je n'ai jamais rien vu d'aussi stupide. Et j'ai essayé de dire: vous savez que quelque chose de grand est si grand. Mais ils ne pouvaient pas le voir.

Apocalypse maintenant (Francis Ford Coppola - 1979)

Libre basé sur le célèbre roman de Joseph Conrad à partir de 1902 à partir de 1902 Cœur des ténèbres, Francis Ford Coppolas Opus Magnum introduit le même voyage spirituel vers les profondeurs de la condition humaine dans le contexte de la guerre du Vietnam. Coppola fait sans aucun doute le projet le plus ambitieux un commentaire solide sur le colonialisme, la violence et la capacité humaine à détruire.

Ce qui est vu dans un instant, 20 ans plus tard lorsque Avant-Gartle est utilisé pour le papier peint et fait partie de la culture. Il semblait que cela avec [[[[[[[[ Apocalypse maintenant ], A déclaré Coppola. Quand je l'ai fait, je n'avais pas de script. J'ai apporté un coeur de copie frustique de pingouin vert de obscurité Avec tous mes soulignés en lui. J'ai fait ce film.

Paris, Texas (Wim Wenders - 1984)

Paris, Texas C'est la performance couronnée de l'illustre filmographie de Wim Wenders. Le film examine l'importance de la famille et l'isolement de base de l'homme et montre Harry Dean Stanton sur une recherche déchirante pour collecter les fragments de sa famille. Malgré les immenses paysages, le film parvient à se concentrer sur les éléments intimes de la psyché humaine.

Dans un Entretien, Wenders said, From our first one-page outline, we knew the movie was Travis and Jane, and we had to take Travis to that point, and ourselves to that point, and face a story neither of us had told before. We had to get there slowly. I don’t think there’s a break; at some point in the middle, the movie turns and starts walking on new territory, like in a blank space in the landscape. At least my landscape.

Paysage dans le brouillard (Theo Angelopoulos - 1988)

Paysage dans le brouillard C'est le puissant portrait de l'auteur grec Theo Angelopoulos d'innocence innocence. Il a deux jeunes frères à la recherche de son père imaginaire, qui essaie désespérément de traverser la frontière en Allemagne, mais d'être dans des situations dangereuses.

Angelopoulos a déclaré: En plus de l'inclusion dans le film, un élément archétypal chargé des effets des conflits primaires et de la vanité existentielle, la présence de mythes dans mes films constitue la base de la relation sans aucun doute matérialiste avec la tradition. La clé de cette relation n'est pas la reproduction mécanique du mythe et son incarnation externe dans le matériau d'une histoire moderne dans le but de confirmer sa nature éternelle et immuable. Au contraire, il est son abolition critique de la limiter dans un récit purement fictif sans l'implication fondamentale des besoins.

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Nous vivons dans une culture qui a hérité de ces mythes, et nous devons les détruire à tout prix et leur donner une dimension humaine. Je n'accepte pas le destin ou l'idée du destin. En entrant dans le mythe de la réalité historique, cela devient une véritable histoire avec une dimension différente. Ce n'est pas une interprétation: je lui donne une dimension humaine parce que c'est l'homme qui fait l'histoire et non le mythe.

Sonatine (Takeshi Kitano - 1993)

Le classique culte de Takeshi Kitano de 1993 est l'un des meilleurs films Yakuza de tous les temps. Au lieu de descendre dans le monde de la violence libre, Kitano s'approche avec le remplacement d'un philosophe de la brutalité à l'écran. Il raconte l'histoire d'un groupe de gangsters qui recherchent un refuge sur les plages d'Okinawa qui sont cachées du monde et de ses êtres intérieurs.

Le cinéaste s'est plaint que mes films étaient connus du public japonais pour leurs échecs commerciaux constants. mon second point d'ébullition ( 3-4x ju-gatsu ) jusqu'à Obtenir quelque chose Soit dit en passant, c'était mon film à succès, qui a jusqu'à présent fait moins de succès. Par exemple, Sonatine Il est maintenant considéré comme une sorte de chef-d'œuvre pour beaucoup de gens, mais quand il a commencé au Japon, il a disparu en deux semaines!